Feb 14
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Jan 6
作者:Boris Groys  译者:戴章伦
文章来源于Bethesda的日记  http://www.douban.com/note/121945553/
see the full text from e-flux:  http://www.e-flux.com/journal/view/130

我们知道,在今天,任何东西都能被视为艺术品。或毋宁说任何东西都能经由艺术家之手变成一件艺术品。观者已无任何机会仅通过自身的视觉经验去区分一件艺术品与一件一般物。他必须首先了解一位艺术家如何在自己的艺术实践语境中使用一件特殊的物品,由此才能将其定义为是一件艺术品亦或一件艺术品的一部分。

然而问题是谁才是艺术家?如何区分艺术家与非艺术家?如果二者间的差别如今还是可能的话?对我而言,这个问题远比去追问如何区分一件艺术品与一件一般物更为有趣。

与此同时,我们还有一种长期的制度批判传统。在过去的数十年里,藏家,策展人,艺术托管商(trustees),美术馆,馆长们,画廊以及批评家们的角色都被艺术家被广泛地分析及评判过。然而艺术家们自身呢?显然,当代艺术家们也是一种制度化角色。他们中的多数都预备去接受这样一种现实,即他们对艺术体制的批判其实无异于对自己的内在批判。今天,艺术家可以被简单地认为是在艺术世界的一般性框架中的一种特定的专业角色。这个艺术世界如同其他官僚化的组织或资本主义企业一样,是一个基于劳动分工的世界。因此,人们也可以认为艺术家的角色部分是为了批判这种基于劳动分工的艺术世界,从而使其更加开放,日趋包容,广博,更加有效率并有利可图。然而这样的答案貌似合理实则难以令人信服。

(一) 去专业化的艺术

博伊斯有一句家喻户晓的名言:“人人都是艺术家”。这句名言的传统可以追溯到早期马克思主义以及俄罗斯的先锋派。无论是在博伊斯的年代还是今天,这句名言被都被视为是一种乌托邦。它通常被理解为是一种乌托邦愿望的告白,即:现在由非艺术家组成的人类社会在将来会变成主要由艺术家组成。我们不仅认为此种想法令人难以置信,而且如果艺术家的角色如上所定义,我也决不会认为这样的想法是乌托邦的。这种希望世界完全变成艺术世界——在这个艺术世界里人类必须不停地生产艺术品,并为四处参展的机会而相互竞争——的愿景,绝不是一种乌托邦,倒更像是反乌托邦。事实上,更是一场十足的噩梦。

现在,人们可以认为——事实上人们也常这么认为——博伊斯对于艺术家的角色有一种乌托邦式的理解。人们常觉得这种浪漫的,乌托邦式的愿景已然过时,但此种判断并不能使我信服。对当代艺术界以及目前的艺术机制起作用的传统形成于二战之后。这种传统是基于历史上前卫艺术的实践及它在1950年代及1960年代期间的更新及经典化(codification)。如今没有人会有认为这种传统相较于那时有多么巨大的改变。然而矛盾的是,随着时间的流逝,它自身变得越发完备。新一代的职业艺术家们发现,自己进入艺术界的渠道主要还是通过艺术院校以及近几十年来日益全球化的艺术教育项目。这种全球化,统一化的艺术教育是基于一种相同的前卫标准(avant-garde canon),这种标准主导着整个当代艺术机制,不仅是前卫艺术生产自身,也包括随后在这种前卫的传统中生产出来的艺术。当代艺术生产的主导模式是晚近学院化的前卫艺术。这正是为什么对我而言要回答“谁才是艺术家”的问题就必须首先回到历史上前卫艺术的开始,回到那时人们对艺术家角色的定义。

一般而言,所有的艺术教育都必须基于一种特定的知识或是特定的,可以代代相传的技艺(mastery)。因此问题来了:当代艺术院校代代相传的知识及技艺是什么呢?这个问题在现在带来了许多的困惑。前-先锋(pre-avant-garde)艺术院校的角色已经被很好地定义。在那里,艺术教育是向学生们教授一种已然完备的技艺准则,包括油画,雕塑及其他的媒材。今天,部分的艺术院校回到了这种对于艺术教育的理解,尤其是在新媒体领域中。的确,诸如摄影,电影,录像,数码艺术等这些艺术形式都有特定的技术要求,而这些技术也是艺术院校能够交给学生的。但是我们当然不能将艺术降低到仅仅只是技艺总和的层面,这就是为什我们看到如今又兴起了一轮“艺术作为一种认知形式”的讨论,一种在教授艺术时不可避免的讨论。

然而目前的这种“艺术作为一种认知形式”的言论却并非新生之物。宗教艺术就曾声称自己通过一种视觉化的,形象化的(pictorial)形式向那些无法直接进行沉思的观者们呈现了关于宗教的真理;传统的模仿艺术(mimetic art)则自称揭示了普通观者无法看见的,自然的每日世界。这两种观点都曾被许多思想家批驳过,如从柏拉图到黑格尔。却也有其他赞同的,如从亚里斯多德到海德格尔。然而无论思想家们对这两种观点在哲学上的优缺点如何言说,这两种关于艺术是一种特殊的认知形式的观点,以及与其相关的关于技艺的传统标准都不被历史上的前卫艺术所承认。经由前卫艺术(的反叛),此前职业的艺术家变成了去专业化的。

然而这种去专业化(de-professionalization)的艺术却将艺术家置于了一个相对尴尬的境地,因为它通常被公众解释为艺术家向一种非专业化(non-professionalism)的回归。相应地,当代艺术家开始被视为一种专业的非专业人士,而艺术界则被视为一个充满了“艺术阴谋”(art conspiracy)的空间(鲍德里亚语)[1]。这种艺术阴谋的社会效应似乎会呈现出一种可解读的社会学神话。

然而,前卫艺术所呈现出的这种去专业化(de-professionalization)不能被简单地误认为是一种非专业化的回归。去专业化的艺术是一种总体上改变艺术实践的艺术活动,而非仅仅使得每个单个的艺术家回归其原初的非专业状态。因此,去专业化的艺术本身就是一场高度专业的运动。稍后我会进一步讨论去专业化的艺术与民主化的艺术之间的联系,在此之前我想要先指出的是——知识与技艺在最初的去专业化里是如何的必须。

(二)前卫的弱符号

在近作《残存的时间》(The Time That Remains)里,乔治•阿甘本借用圣保罗的例子讨论了成为一个专业使徒所必须具备的知识和技艺。[2] 这种知识是一种弥赛亚式的知识:关于世界即将毁灭的知识,关于不断缩短的时间(contracting time)的知识,关于我们所寓于其中的时间的不足(the scarcity of time)的知识——这种时间的不足宣告了任何一种专业性的无效。因为严格来说,任何一种专业的实践都需要一种长时段的预设(longue durée),一种时间的持续性以及世界的恒常性。在这个意识上,使徒的职业——如阿甘本所说——就是去实践“每一种不断被撤销的天职” (the constant revocation of every vocation)[3]。或者也可以说是“所有职业的去专业化”(the de-professionalization of all professions)。不断缩短的时间使我们所有的文化符号和活动都变得枯竭而空洞,使其都划归于零,或如阿甘本所言,它们变成了一些弱符号(weak signs) [4] 。这些弱符号是时间即将终结的征兆,它们始终被那正在到来并已然显现的时间的缺乏所削弱,而我们恰恰又需要那缺乏的时间去生产并思想那些强大而丰富的符号(strong, rich signs)。然而最终,这些弥撒亚式的弱符号却胜过了我们世界中的强符号——那些强大的权威,传统,权力符号;以及强大的反抗,欲望,英雄主义,或令人震惊的符号。在谈及这些弥赛亚式的弱符号时,阿甘本显然在思考一种“弱弥赛亚主义”(weak messianism)——一个瓦特•本雅明最先引介的术语。但我们还记得(即便如果阿甘本没能记起),在希腊神学中,kenosis(神圣放弃)一词被用于描述基督的特性。基督的生命,受难,受死被视为是对人性尊严的羞辱,一种神圣尊荣的符号的自我倒空。在这个意义上,基督的特性变成一种“弱符号”(weak sign),它极易被理解(或误解)为是一种软弱的标志(a sign of weakness)。正如尼采在《反基督》里所讨论的。

如此,我倾向于认为前卫艺术家是一种世俗化的使徒。他们是时间的信使,告诉这个世界时间正在缩短,这个世界存在一种时间的不足(scarcity of time),甚至是缺乏(a lack of time)。事实上,现代性是一个我们永远地失去那个我们原先所熟悉的世界以及传统生活条件的世代。是一个不断改变的时代,是一个历史性的突破,一个新的结束和新的开始。在现代性中生活就意味着没有时间去经历一种永恒的不足(permanent scarcity),一种时间的缺乏——因为事实上,那些现代的计划通常在还没有被完全认识的情况下就被抛弃了,每一代人都发展出属于自己的计划,相应的技术,以及属于这一代人的,去实现这些计划的职业。然后所有这些又都被下一代人所抛弃。在这个意义上,我们当下所处的时间并非是一个“后现代”(postmodern)的,而是一个“超现代”(ultramodern)的时间。因为在这样的时间中,时间的不足和缺乏越发的明显。今天,每个人都很忙,谁都没有时间。在整个现代的世代里,我们看到所有我们自身的传统及所承袭的生活方式都已被判衰落和消失。我们同样也不相信当下的时间——我们不相信它的时尚,它的生活方式及思维方式会有任何持久的效力。事实上,当一种新的时尚或潮流兴起时,我们马上会想到的是:它很快就会不可避免地消失(确实,当一种新的潮流出现时,我们脑子里出现的第一个想法是:它能持续多久呢?答案往往是:它持续不了多久)。因此我们可以说,不仅是现代性,连我们自己的时间本身也是一种持久的弥赛亚式的,永在启示之中的(chronically messianic,chronically apocalyptic)。我们几乎会不自觉地用一种随即会衰落或消失的眼光去看待每一样存在及新兴之物。

前卫总是与进步的观念相关,尤其是技术的进步。我们确实能看到许多前卫艺术家及理论家直接反对保守派,并坚持在新的技术条件下去实践旧形式的艺术是毫无价值的。然而这些新兴的技术并没有被当作建造一个崭新,稳固的世界的契机——至少在第一代前卫艺术家看来——而是被视为一部可用于摧毁旧世界的机器,同时也是一部不断摧毁现代技术文明本身的机器。前卫艺术把这种进步的力量主要地看成是一种摧毁性的力量。因此,前卫艺术会追问:艺术家是否还能在一个文化传统及我们所熟悉的东西都在不断毁坏的世界中,在一种收缩的时间中继续艺术创作。这些都是技术进步的特征。或者换句话说:艺术家如何去抵挡这种进步的破坏力?(destructiveness of progress)如何能创作出一种能逃过永恒变化的艺术?一种无时间性的(atemporal),超历史的(transhistorical)艺术?前卫艺术想要创作的并非是一种关于未来的艺术,而是一种超现世的(transtemporal)艺术,一种合适任何时代的艺术。我们不断地听到和读到我们需要改变,我们的目标——包括艺术的目标——都必须是要改变现状。但问题是我们的现状就是变化。我们唯一的现实就是永无止尽的变化。因此,在一个不断变化的监狱里去改变现状就等于是去改变变化(change the change),去避开变化。事实上,任何一种乌托邦不是别的,正是从这种变化的监狱中出逃。

当阿甘本宣布了我们所有职业的无效,通过弥赛亚事件清空了我们所有的文化符号时,他并没有继续追问:我们如何才能跨越我们的世代与那个即将到来的世代间的边界?他并没有如此追问因为使徒保罗也没有。保罗相信无需经由死亡,每个个体的灵魂就能够跨越这道边界,即便是在有形的世界已然完全毁灭之后。然而前卫艺术想要拯救的并非灵魂,而是艺术。为此它曾尝试做减法(reduction),通过把其中的文化符号减到最少而使它得以逃过文化时尚及潮流中的突破(breaks)转变(shifts)及永无止尽的变化(permanent changes)。

这种彻底减少艺术性传统的做法也必须事先考虑到它在进步过程中的瞬息毁灭。通过这种减法,前卫艺术家们开始创造出一种对他们来说似乎异常贫穷,软弱,空无的形象,这些形象或许能够在每一种可能的历史性大灾难中幸存下来。

1911年,当康定斯基在《论艺术的精神》(On the Spiritual in Art)里谈及减少绘画的模仿性(painterly mimesis),减少对世界的再现时——这种减少揭示了绘画事实上不过是色彩与形态(colors and shapes)的组合——他希望以此来保证自己对于绘画的观点能够在未来各样文化的变化中幸存,即便是最革命性的变化。绘画中所呈现的那个世界会消失,但绘画本身的色彩与形态的结合却不会。在这个意义上,康定斯基相信过去所有创作的图像以及将来即将创作的图像都能被视为他的作品,因为任何绘画图像,都不过是一定的色与形的组合。这种观点不仅在绘画上适用,也适用于包括摄影,电影在内的其他媒材。康定斯基并不想创造出一种个人化的风格,毋宁说他把自己的绘画当作一处为观者的观看而设的学校。在这间学校里,观者可以看到所有可能的艺术变化中不变的构成,那些历史上不断变化的图像中重复的图式。在这个意义上,康定斯基真正把自己的艺术理解为是不受时间影响的(timeless)。

之后,马列维奇用其黑色方框对图像做了一种更为激进的减法,图像变成纯粹只是图像与框架间的关系(image and frame),沉思之物(contemplated object)与沉思的场域(field of contemplation)之间的关系,零和一的关系。事实上,我们无法避开黑框,任何我们所看见的图像同时也是一个黑框。这种说法也适用于由杜尚最先引进的现成品的使用方式。无论我们想要展示什么,无论我们认为正在展出的是什么,都以此种方式为先决条件。

因此我们可以说,前卫艺术生产出了一种先验的图像(transcendental images)——康德的意义上先验。它显明了其他图像得以涌现及静观的条件。前卫艺术不仅仅是一种弱弥赛亚主义,也是一种弱普遍主义;它不仅是使用被弥赛亚事件所倒空的零符号的艺术,也是通过弱图像来显明自身的艺术。这些图像有着微弱的能见度(weak visibility),当它们作为那些高度可见的强图像的组成部分时,它们必定从结构上被忽略,如古典艺术中的图像或大众艺术中的图像。

前卫艺术否认原创(originality),因为它无意发明,而只想发现那些超验的,重复的,弱的图像。然而,每一种对于非原创的发现都会被理解为是一种原创性的发现。在哲学及科学看来,生产一种先验的艺术无异于生产一种超文化的,具有普遍性的艺术,因为跨越一种现世边界(temporal border)的行动也是一种跨越文化边界的行动。每一种图像都是基于特定的,可想象的文化语境——这也是一种黑框,因为当其中的文化被抹去时,它看起来就像一个黑框。这意味着,对一种弥赛亚式的凝视而言,它已然是一个黑框了。这使得前卫艺术真正向一种普遍的,民主的艺术开放。但前卫艺术的普遍化权力是一种弱的,自我消抹(self-erasure)的权力。因为只有当前卫艺术生产出尽可能弱的图像时它才能取得普遍性的成功。

然而,某种程度上,前卫艺术却具有先验哲学所没有的模糊性。哲学的沉思以及先验的理念化(transcendental idealization)通常被认为只是由哲学家来进行并且也只是为哲学家而进行的。然而,前卫艺术的先验图像却同其他经验主义的图像一道在同一个展览空间展出。因此人们就可以认为前卫艺术将经验与先验等量齐观了,并让二者在一个统一,民主,外行的观看中相互比照。通过把原先只有在宗教或哲学内讨论和思考的先验包含在内,前卫艺术用一种激进的方式扩大了民主的展示空间。这样做有积极的一面,却也隐含着危险。

从一种历史的观点来看,前卫艺术在其观者面前展示的并非是一种先验图像,而是一种特定的经验图像,这种经验图像呈现了其所属的特定时代及其创作者的特定心理。因此,“历史的”前卫立刻就变得既清晰又令人困惑(clarification and confusion):清晰,是因为它揭示了历史上不断变化的风格及潮流背后的不断重复的图式;令人困惑,是因为前卫与其他的艺术生产一起展出,这在某种程度上就允许了被认为是一种特定的历史化风格的误读。人们可以说前卫普遍主义的根本之弱至今仍在持续。然而今天的艺术史却认为前卫艺术创造了一种艺术史上的强图像(art-historically strong images),而不是弱的,超历史的,普遍主义的图像。在这个意义上,前卫艺术力图揭示的艺术的普遍维度仍旧是被忽略的,因为此种揭示中(revelation)的经验特性将其遮蔽了。

甚至在今天,我们仍可以在一个前卫艺术的展览中听见:“为什么像这样的作品”,我们就说马列维奇的吧,“一个我的孩子都能画出来的作品,能在美术馆里展出?”一方面,对马列维奇作品的此种反应当然是正确的,这表明大多数观众仍然把它们视为一种弱图像,即便它们赢得了一场艺术史的胜利;然而另一方面,大多数观众从比较中得出的此种结论也是错误的。有人认为此种比较贬低了马列维奇,但也有人认为可以把这种比较看作是对某人孩子的赞赏。确实,通过其作品,马列维奇在艺术领域中为弱图像——事实上也是为所有可能的弱图像——打开了一扇门。然而只有当他的图像被视为是先验的而非经验的,他的自我抹除被恰切地欣赏时,这种开放的意义才可能被理解。如果马列维奇展览的观众不能真正欣赏自己孩子的作品,那么他们也不能真正欣赏艺术界的这种开放,即允许出自孩子们之手的作品被如此欣赏。

虽然能够在美术馆中展出,但前卫艺术在今天仍然被默认为是非流行的(unpopular)。矛盾的是,人们通常视其为一种非民主的精英艺术,不是因为把它当成一种强艺术(strong art),反而是当成一种弱艺术(weak art)。也就是说,因为前卫艺术成为了一种民主的艺术而被一种更广大的,民主的观众所拒绝或忽略。前卫艺术是非流行的,因为它是民主的。如果前卫艺术变得流行了,它就会变得不民主。

的确,前卫艺术为普通人(average person)开启了一种新的(思维)方式,让他们可以把自己理解为是艺术家,从而作为一种弱的,贫穷的,部分可见的图像的生产者而进入艺术界。然而普通人肯定不是流行的,只有那些明星,名人,很火的个人才是流行的。流行艺术(Popular art)是为那些由观众(spectators)组成的群体,而前卫艺术是为那些由艺术家组成的群体。

(三) 重复弱姿态

问题于是来了,在前卫艺术的先验论者及普遍主义者那里究竟发生过些什么。在1920年代,前卫艺术被第二波的前卫运动当作建造一个新世界的稳固根基。此种前卫艺术的世俗基要主义(secular fundamentalism)在1920年代被俄罗斯构成主义,包豪斯,俄罗斯福库特马斯设计学院(Vkhutemas)等所发展。然而像康定斯基,马列维奇,雨果•鲍尔(Hugo Ball)等这些早期前卫浪潮中的领军人物却拒绝这种基要主义。然而即便早期前卫派并不相信在他们普遍主义艺术的弱基础上有建立起一种正确的新世界的可能,但他们却仍然相信自己完成了一种最激进的减法并创作出了一种最弱的作品。然而同时,我们知道这其实也是一种错觉。说它是一种错觉并不是因为这些图像还可以更弱,而是说它们的这种“弱”很快也会被(不断变化的)文化所遗忘。因此,当从一种历史的距离上观看它们时,对于我们而言,它们要么是太强了(对艺术世界而言),要么是与我们毫不相干(对于我们每个人而言)。

这意味着,这种弱的,先验的艺术姿态并不是一朝产生就能世代永续的。而是,它必须被不断地重复,以便在先验与可见的经验之间保持距离,去抵制变化的强图像,进步的意识形态以及经济增长的承诺。只是揭示那超历史的重复图式是不够的。必须不断地重复这些图式所带来的启示,而这些重复本身必须也可以被重复,因为每一次对于这种弱的,先验的姿态的重复都会立即产生出清晰和困惑(clarification and confusion)。因此我们需要进一步的清晰,然后又衍生出进一步的困惑,如此反复。这就是为何前卫艺术不能一朝产生就可以世代永续,而它必须不断地重复以便抵制那永不止息的历史性变化以及持久缺乏的时间(chronic lack of time)。

这种重复的,同时也是徒劳的姿态开启了一种空间,对我而言这种空间是当代民主形式中最为神秘的一种。像Facebook, MySpace, YouTube, Second Life以及 Twitter这样的社会网络为它的全球用户提供晒图,放视频,写文章的机会。某种程度上,我们甚至无法将这些网络上的照片,视频,文章与所谓的观念或后观念艺术区分开。从某种意义上说,这种空间最初是由1960—1970年代的一种激进的,新前卫的(neo-avant-garde)观念艺术开启的。没有这些艺术家在先前所做的艺术的减法,这些社会网络的审美哲学的兴起便是不可能的,它们也不能向广大的民主大众开放。

这些网络具有大众性生产及可见性很低的弱图像的堆砌特征,它们取代了20世纪中那些高度可见的被大众所沉思的强符号。正如许多著名的理论家所描述的那样,我正在经历主流大众文化的分解:如俗文化(格林伯格),文化产业(阿多诺),或是景观社会(居依•德波)。这种大众文化由主流的政治及商业精英们为大众——消费大众,观看的大众——而创造。如今,统一的大众文化空间正日趋分裂。我们仍然有明星,但他们却不如往日那般辉煌了。今天每个人都写文章,晒图片,但谁有时间去阅读它们呢?很显然,谁都没时间。充其量不过就是很小部分的志同道合者,熟人或是亲戚之类。20世纪由大众文化所建立起来的,传统的生产者与观看者的关系被颠倒了。此前,是少数精选的图像和文章为数百万的读者和观者;现在,是数百万的创作者创作着成千上万的图片和文章,为那些没有时间阅读它们的读者。

早先,在经典的大众文化时期,人们都为吸引大众眼球而竞争。人们都渴望发明出强的,出人意料的,令人震惊的文章或图像,以至能够吸引大众的注意,那怕是很短的时间,也即安迪•沃霍尔那著名的“出名15分钟”。

然而,同时,沃霍尔却创作了像《睡眠》(Sleep)或《帝国大厦》(Empire State Building)这样长达几小时的,单调乏味的电影,没有人会认为观众在整个影片的过程中都会全神贯注。然而这些影片确是极佳的,弥赛亚式的,弱符号的例子。因为其展示了睡眠及建筑中的瞬时特征——它们似乎是濒临灭绝的(endangered),从天启的观点来看,是随时都有可能消失的。事实上这些影片本身无需观众的全神投入,甚至不需要任何观众,就如帝国大厦本身或一个已经睡着了的人不需要任何观众一样。毫无疑问,沃霍尔的这些电影起作用的最佳地方不是在电影院里,而是在一种一般来说都是循环播放的电影装置(film installation)里。 观众可能会驻足观看一会儿,或是压根不看。同样的情况也适用于那些社会网络的网站,人们可以访问或者不访问它们。人们的访问就是注册,而不是在意在那儿耗费了多少时间。当代艺术的可见性是一种弱的,虚拟的(virtual)可见性,是一种在不断缩短的时间中带有天启性质的可见性。人们已经满足于一个特定的图像和一个特定的文章能够被阅读,至于那种阅读的真实性(facticity)就已经变得不那么重要了。但是当然,网络也可以变成——部分其实已经变成——一个充满着强图像及文章的空间,这些图像和文章已经开始主导它。这就是为何年轻一代艺术家们越来越对弱可见性及弱公共姿态(weak public gestures)感兴趣。我们眼见许多艺术团体的兴起都是一种参与者与观众的结合。这些群体为自己而做艺术,或许也为那些其他团体中的艺术家,如果他们准备好协作的话。这种参与式的实践意味着,只有当人们把自己当成艺术家时,他才能成为观众。否则,人们将无法进入相应的艺术实践中。

现在,让我们回到文章的最开始。前卫传统被一种减法延续着,由此产生出一种无时间性的,普遍性的图像及姿态。这是一种具有并呈现出现世弥赛亚知识的艺术——我们居住其中的是一个暂时的世界,它受制于永不停息的变化,任何强图像的寿命都必定是短暂的。这同时也是一种低可见性的艺术,这种低可见性可与日常生活的低可见性相匹敌。因此,它也就不是偶然或意外,因为只有我们的日常生活在历史的嬗变中幸存下来,而那主要是因为它的弱和低可见性。

事实上在今天,日常生活已开始通过设计或是当代的共享交流网络展示自己,表达自己。以至于我们已经很难将日常生活本身与它的自我表现区分开了。日常生活变成了艺术——已经没有单纯的生活(bare life),或者说单纯的生活把自己当作了艺术品(artifact)在展示。艺术性的活动如今已经变成了这样一种东西:艺术家与他的观众分享最普通的日常经验。如今艺术家与观众分享艺术就如他当初与宗教或政治分享的那样。成为艺术家不再是一种独特的命运,而是成为了一种每日实践——一种弱的实践,弱的姿态。然而为了维持这种弱的,每日生活层面的艺术,人们就必须要不断地重复艺术的减法,去抵制那些强的图像,去摆脱那长久作为强图像交换场所的现状。

在《美学》的开始,黑格尔就声称,在他的时代,艺术就已经是过去的东西。黑格尔相信,在现代性的世代里,艺术已然不能够反映这个世界本来的样子。然而前卫艺术却向人们表明,艺术仍然能够部分地反映现代世界:艺术能够显示出现代世界的短暂特性(transitory character),它的时间的缺乏;并通过一种弱的,极少的,用时不多的——或根本不需要时间的——姿态去胜过这时间的缺乏。

[Boris Groys: 德国卡尔斯鲁厄大学(Karlsruhe)艺术与媒体中心美学史,艺术史,媒体史教授,同时也是纽约大学的世界知名教授]。

注释:
1 Jean Baudrillard, The Conspiracy of Art: Manifestos, Interviews, Essays, ed. Sylvère Lotringer, trans. Ames Hodges (New York: Semiotext(e)/MIT Press, 2005).
2 Giorgio Agamben, The Time That Remains: A Commentary on the Letter to the Romans, trans. Patricia Dailey (Stanford: Stanford University Press, 2005).
3 Ibid., 68.
4 Ibid., 10.
Jan 5
http://www.platformchina.org/exhibitms_show.asp?exhitid=110

站台中国—隆重推出

“第三方---- 三位一体之展”

2010年11月11日—2011年1月30日

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第三方-第三幕:“第三方—万岁!”
开幕式:2011年1月9日周日下午3-7时
展出日期:2011年1月9-30日
策展人:毕月
承办机构:站台中国当代艺术机构暨BAO工作室

参与者:
8633 Link (北京), 箭厂空间(北京), Arthub Asia (Davide Quadrio乐大豆, 曼谷; Defne Ayas, 上海), BAO 工作室(Beatrice Leanza毕月/李鼐含; 北京), 联合现场CAEP - Complete Art Experience Project (北京), ChART Contemporary/样板间 (KC Vienna and Megan Connolly凯茜&美光; 北京), 舒服组合 (上海), 陈轴/李明/李然/鄢醒 (公司; 杭州/北京), DDM 东大名仓库 (郑为民; 上海), Donkey Institute of Contemporary Art 驴子当代艺术协会(Michael Yuan/Yam Lau; 北京), 双飞艺术中心(杭州/上海), 每个人的东湖(李巨川; 武汉), 掉队(北京); Forget Art 艺术团体 (北京), Knowles Eddy Knowles 艺术小组(北京), 家作坊 (何穎雅 ; 北京), 金闪, 小运动 (策划人:刘鼎、卢迎华; 北京), 博尔赫斯书店当代艺术机构( 广州), 耶 苏/苏畅 - 奶妈基金会 (Biljana Ciric比利安娜; 上海/北京), 观察社(广州), Shan 工作室 (盛洁; 北京), 撒把芥末Subjam (颜峻;北京)


第三方-第三幕:“第三方—万岁!”

“看来一个决定摆脱制约的艺术家,在他弄清艺术行为及艺术品与公众之间的关系,并最终清理这种之前,是不会实现他的抱负的。重要的并不在于改变语言,或使公众介入,而是要改变艺术关系中观赏与被观赏的关系。”

张培力——《艺术计划第二号的出发点》1988



展览“第三方”于2010年11月开展,该项目的设计本身是一个由三部分组成的脚本式的、以月为单位依次展出的、且又互为关联的展览,并以其相互之间的叙事和审美事物的关系作为他们最终的调查研究对象。

从一开始,这三个展览实例所拟想的是以多重角度为出发点、灵活且开放式的行动为框架加上批判性的操作,同时,将这一切运用在中国语境下的视觉体验和概念性的结构上,并以此为基础去找到具有可替代性的、其他的结合渠道。

就如第一和第二桥段,它们分别攫取的关注点是“忠于自我的表述”和“见证/归档”,而第三部分和最后的展示装设所涉猎的则是“挪用的”(appropriation) 风尚,和推论式的“协作互动”移位。这三个主题是经过深思熟虑的策划以及选题后产生的作品,它们所针对的是俗世间的万物和物质彼此所对应的网格,以及更大范围内的“当代化”及其所涵盖的领域,并意欲成为一个有着广泛的历史和美学意义上的正反情感并存的归了档的材料。而在行动和世界之间、个人和集体之间,以及由此延伸到的艺术家和公众之间互为逡巡交互作用,它们的重要性,从人文学角度来说,是在主体叙事和集体构造两方面相互配置后所形成的特定作品。

“ 挪用”的不稳定性及其时不时难以企及的范式,贯穿了整个中国当代艺术史进程——一个有着传承性、却又毫无辩证法的进程,在一个表面上看来是无法协调的、不完整的、有着时代和地域烙印的十字路口,它踌躇不已。和西方现代艺术经典不同的是,它给出的是更多的解构和批判的潜在可能性。
无论是在体裁格式上,还是系统体系上,在过去的三十年当中,艺术史学家和评论家们都常常用过‘挪用’方法代表着他们的社会政治评论和地区化了的历史相对论形式。离开一切可能的运用,在这个项目中,则视‘挪用’作为一个积极的、有着实际意义的促进力,通过依靠概念性影像及其注解的相互浸透,它们也应当根据上下文特定而详细的价值来确定其含义。

“第三方”展览中的最后一个桥段装置被称为“第三方——万岁!”这个被连字符分开的标题,其两个部分是为了用来增强整个项目内在本质所特有的渐进运动的循环性。和一个有着排他性序列因果关系的文艺写作不尽相同的地方是,“第三方”和战略协作是合二为一的,是对于存在和缺位模式的统一,是对于两者在距离和自我参与上的描摹。既不能算是尾声也不能算是一个被全盘认可的结局,对这个最后设定的实施并不代表某一个合成的时刻,更不代表是对过往决议的分裂瓦解;相反地,它是更进一步地迈向了另一个可交替的知觉背景——二者都包含容纳了上两个桥段的内容并继续将其扩大发展。作为一个完整的项目,“第三方”毫无疑问是一个联展,是一个暗指,即便如此,它也不可避免地存在着偏爱和局限性。

“协作互动”(collaboration) 式的次元度的临界性,它延伸跨越了近百年的理论和实践的历史长河,更涵盖了艺术和社会的相关范畴。尤其在有着西方历史渊源的阐释中,合作是与各种各样的定位和经验紧密联系在一起的,并经由概括式的泛化,且力争瓦解艺术家和观者、原创作者和看客之间的差距,紧接着就是要牢记内在的固有政治和自然对立的构造范围。

穿梭在所谓的社交红人的宗系中,关联式的实践练习,在艺术制造上更象是一种解构式的、宽广的合作冒险,这都是围绕着创作而进行的,如同一个对话过程或倾斜的定位所产生的不同形式的同一结果,促进一个由多人参与的和对积极的情感意图的表达和独立的思考,并有能力使现有的权利关系以及对作品有特定明确的的监控等的社会赞助者改变他们的倾向。同样的,在中国艺术史上具有颠覆性的合作力量,它的重现是体现在对具有艺术性和知性探索层面的主体和客体上的,及其对上下文脉语境情况所作出的反应上,或在总揽全局的既涉及社会又涉猎了政治体系的定义上,从而表现出既不适当不充分却又简单且反应迟钝的局限性。

值得注意的是,在过去的两年中,广泛发生的经济不确定性贯穿了全球性的艺术产业领域,其严重的影响就是最终投向了以奢侈品市场为导向的产品输送,到有着共同轴心的“核心集团”,且释放出以艺术家和评论家欢腾庆祝“含量和质量”为主的传动体系的回归,以及改变长期以来依据无聊的商业生存能力和个人成功方式来进行甄别的模式。在能力允许范围内的协同互动和公共项目的内驱力,越发变成一个谦逊的代名词而非必要的奉献,并呼求新的概念性和实用性的事业保证,以此制定更为确切的对话,尤其是针对那些我们曾经认为和物质及短命的价值观两者的损耗有着共同之处,而实际上却又证明了事实并非如此的东西。回归平凡,恰如每日必修之课。而中国亦被证明并不例外,且又不得不再次游离在经费游戏和范例再现的不足和徒劳无功之上。

本次展览因此并不包含一切从属于“协作性的”或“交替性的”实践练习,以及针对此而将中国式的艺术词汇努力填入曾经的空白之处,以及一切的举动措施——恰如一个练习,会首先要求构筑一个建立在空间和美学基础之上的常规认知,并以此传递出正式的对应物的运作信息(在此,则不会为其他操作留有空间)。
相反地,“第三方——万岁!”是针对平凡领域的去粗取精的研究探讨过程,并将此发展转换成这个展览中一种自发的、无意识的自我展示,一种在中国式的协同实践中对非正式实验趋势的聚合。

一个展示,一份档案,一次实验,加上各方的参与,这个展览利用了蜂窝状的系统处理体系,一个有着现场般逼真效果的形式,且借助了配套结构和工具两方面来为艺术家提供处置措施。以中国为基地的自发的/独立的艺术空间、艺术集体、社会团体、具体的项目团队,以及以艺术家在合作行为上的实践为基础,并应邀提出提案建议或可以说明他们作品的材料,特定语境的活动类型,以及在特殊背景下他们是如何了解并实现“与他人合作”的意义。展览并不仅仅是对之前已实现的独立且有主见的商业冒险或项目的一个展示。一个有着开放式水准的画面,其中每一个团体的参与过程,都有着正面的、真实的一面,也有着对概念和创意积极主动预发式的交流,而这一切都蕴藏在集体创作的作品背后。这个展览中的最后一章,它所显示的特点是以新的方式创作作品,加之由参与者提供的档案材料,都全然表现在现场表演中,是特定场地的装置、音响效果和过去两个月所展示的作品碎片的结合体。其中有些项目是即兴合作的结果, 以此帮助人们对北京以外的世界可以窥见一斑;而另外一些作品的创作则是很明确地对此次展览本身做出的响应。

各种各样的平衡力量都从积极的一面激发了创作这里展出的作品的方式方法。正如可提出证据加以证明的那样,比起其惯有的历史前兆,它在政治上或颇有争议的既定系统方面,以及那些不能或不愿满足和适应它们的地方,仍然有着相差无几的响应性。对社会或美学常规所约定的挑战,以及对不同的举办地点和赞助者,改变了的特异性程度所产生的作用等方面,它们都有着深深的烙印。它们构成了一定的画面,其中依靠追加增补和集体化的战略,克服了概念上和材料来源等方面的个体极限,并且,通过将一个感知缺失或有着矛盾不一致性的场景变得生龙活虎来传递信息,而不只是简单地断然将其给解决掉。


“现在是结算历史遗留的债务的时候了,那种看观众脸色行事或供人观看的时代早该结束,艺术首先是艺术家,由艺术家交出了的权利应由他们重新去夺回。”(张培力,1988)

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PLATFORM CHINA CONTEMPORARY ART INSTITUTE presents

THE THIRD PARTY – An exhibition in Three Acts
November 11, 2010 – January 30, 2011
Opening Act 3:  "THE THIRD PARTY – A GROUP CELEBRATION!"
Sunday Jan. 9, 2011 | 3 – 7 pm

Curated by Beatrice Leanza
Organized by Platform China in collaboration with BAO Atelier

1. How to Be Alone (or Nowhere else am I safe from the question: why here?) | Nov.11 – Nov. 30, 2010

2. The Stranger | Dec. 9 – Dec. 30, 2010

3. The Third Party | Jan. 9 – Jan. 30, 2011

Participants:
8633 Link (Beijing), Arrow Factory (Beijing), Arthub Asia (Davide Quadrio, Bangkok; Defne Ayas, Shanghai), BAO Atelier (Beatrice Leanza/Li Naihan; Beijing), CAEP - Complete Art Experience Project (Beijing), ChART Contemporary/Open House (Cassandra and Megan Connolly; Beijing), Comfortable Collective (Shanghai), Chen Zhou/Li Ming/Li Ran/Yan Xing (Company; Hangzhou/Beijing), DDM Warehouse (Zheng Weimin; Shanghai), Donkey Institute of Contemporary Art (Michael Yuan; Beijing), Double Fly Art Centre (Hangzhou/Shanghai), Everyone’s East Lake Art Project (Li Juchuan; Wuhan), Falling Behind (Chen Tingpeng/Dong Jing/Liang Shuo/Shao Kang/Wang Guangle/Zhang Zhaosong/Zhou Yi; Beijing); Forget Art Art Collective (Beijing), Knowles Eddy Knowles group (Beijing), Homeshop (Elaine W. Ho; Beijing), Jin Shan, Little Movements Project (Liu Ding, Carol Lu), Libreria Borges (Chen Tong; Guangzhou), Peter Zhang/Su Chang for Mommy Foundation (Biljana Ciric; Shanghai/Beijing), Observation Society (Guangzhou), Shan Studio (Sheng Jie aka GogoJ; Beijing), Subjam (Yan Jun ;Beijing), Emi Uemura.


Act 3: "THE THIRD PARTY – A GROUP CELEBRATION!"

"An artist intent on casting off all restrictive conditions can only do so after he has clarified the relationship among artistic activity, artwork, and the public. […] The key isn’t to alter one’s language or the public’s involvement, but rather to change the artistic relationship between viewing and being viewed".

Zhang Peili - The Point of Departure for Art Project no.2, 1988
      
    
Started in November 2010, the project The Third Party designed itself as a three-part script to be staged monthly in individual yet interconnected exhibitions that took ‘the relationship between narrative and aesthetic objects’ as their field of investigation.

Since the outset, these three instantiations have been envisioned as "points of departure, flexible and open-ended" frames of reference and critique operating in the Chinese contexts through which visual experience and conceptual structures could find alternative avenues of articulation.

Like the first and second chapters, respectively tackling issues of "self-historicization"and "witnessing/archiving", the third and last instalment of the show engages, in "appropriating" fashion, the discursive shifts of "collaboration". These three topics are product of a deliberate curatorial choice aimed at gridding out both temporal and material correspondences to the larger arena of the "contemporary" intended as a wide-ranging archive of historical and aesthetic ambivalences.

Appropriation runs through the course of Chinese contemporary art history as an unstable and at times unattainable paradigm – doomed undialectical, it stands at the crossroads of the seemingly irreconcilable times and places of an ‘incomplete’, other-than-Western modern project, vacated of any deconstructive and critical potential.  

Out of all its uses, which, stylistic or systemic, art historians and critics have often employed to substantiate their socio-political commentaries and localized forms of historicism over the past three decades, this project chooses to treat appropriation as a positive tension by means of which given conceptual images and interpretations can be infused, as they should, with contextually specific meanings.

The last instalment of The Third Party is dubbed “The Third Party – A Group Celebration!”.

Not a coda nor a gran finale, this last enactment does not represent a moment of synthesis nor of disruption of former orders; on the contrary it moves further into another, alternative perceptual context that both contains and expands the scope of preceding ones.

The critical extensions of the dimension of "collaboration" span over a century-long  history of theoretical and practical forays bridging the artistic and the social sphere. Particularly in a Western historical lineage of interpretation, collaboration is associated with a variety of positions and experiences which, by way of a generalization, have strived to collapse the divide between artist and audience, authorship and spectatorship, by coming inscribed in a realm of agency intrinsically political and oppositional in nature.

Likewise in the history of Chinese art the subversive force of collaboration recurs as both subject and object of artistic and intellectual pursuits reacting to the contextual conditions or limitations defined by overarching socio-political institutions found inadequate or simply unresponsive.
The empowering drive of collaboration and communal projects more than ever becomes a cipher for modest but necessary offerings calling upon new conceptual and practical undertakings to enact truer dialogues about the dissipation of both material and ephemeral values we once hold in common and facts have proven we have failed. A return to the ordinary, gestational rhymes of the everyday. China has certainly been no exception. Yet again in the game of appropriations, paradigms reappear inadequate and futile.

This exhibition is therefore not an all-encompassing effort aimed at filling the blanks of Chinese art glossary under the category of "collaborative" or "alternative" practices - an exercise that would first require framing an understanding of the spatial and aesthetic conventions informing the workings of their official counterparts.

Conversely "The Third Party – A Group Celebration!" rounds up this research process in the realm of the ordinary by transforming the exhibition in a spontaneous theatre of self‐representation, an informal assemblage of current experiments in collaborative practices from China.

An exhibition, an archive, an experiment in participation itself, the show takes the shape of a living archive by making use of The Beehive system units, which are here employed both as a supporting structure and a tool for artists’ interventions.

China-based self-organized/independent art spaces, artistic collectives, loose groups, specific project teams and artists founding their practice on collaborative actions have been invited to submit proposals or materials that are explanatory of their work, the type of activity they do in their specific context, and what is the way they realize it as "someone who works with others". The exhibition is not simply a display of independent ventures, shows or projects previously realized, but an open tableau where each group partakes in a process of positive and proactive communication of concepts and ideas that stand behind the works as products of/for collective creation.

This last chapter features newly created works and archival documentation provided by the participants along live performances, site-specific installations, sounds and pieces produced over the course of two months.
Various balancing forces motivate the practices here presented, arguably no less politically or controversially responsive to the established systems that cannot or will not accommodate them, than its historical precursors. Challenging social or aesthetic conventions  and operating on varying degrees of specificity to the sites and constituencies they are inscribed in, they compose a picture where the individual limits of conceptual and material resources are overcome by means of a supplementary, collective strategy through which a "perceived lack or inconsistency" comes to be lived rather than resolved.


"Now has come the time for settling debts left over from the historical past. Art is, first and foremost, the artist. And, it is up to the artists to seize back the authority that they surrendered." (Zhang Peili, 1988)
Jan 2
作者: ARTINFO
日期: 2010年12月31日, 星期五
http://cn.artinfo.com/2010/12/31/2010-top-10-exhibitions-%E2%80%93-our-choices

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2010年马上就过去了,我们也不能免俗地来评评“年度十大”。

首先是四月里深圳OCT当代艺术中心(OCAT)的“从电影看:当代艺术的电影痕迹与自我建构”展,它无疑是从“电影”角度出发、对华人(内地、台湾与海外华人)当代影像艺术历史、美学及创作观念的系统研究开了个好头,尽管最终在展览模式上依旧略显保守,但已在理念上达到某种突破。

泰康空间的“51平方”项目一直是我们关注的重点之一,这不仅仅是一系列年轻艺术家个展那般简单,更多地是在一种受限的系统中来探索尽可能多的可能性。包括王思顺、胡向前、李牧在内的几位艺术家都曾将展览空间延伸至51平方展场外——如何走出去、再回过来扣问一个既定的体制;又如何以持续性来敲打艺术创作/生产—观看二者关系的边界……在我们看来,这些都是“51平方”一年多实践所进行的可贵探索。待至明年开春后的总结性群展,或许会有更系统的思考沉淀下来。

今年的连州国际摄影年展是一个新发现,策划角度的新意显而易见,当代艺术领域几位策划人理念中的摄影展,回归了摄影本身的视觉魅力,挖掘出一批新鲜灵动的年轻才俊,带上了某种“颠覆性”。我们也与总策展人费大为探讨了其中的策划理念,敬请关注即将推出的深入访谈。

在我们看来,“从西天到中土”展作为上海双年展的一部分,反而是显出双年展主体所相对匮乏的简洁与清晰,以一种相当浪漫的方式呈现中印两个古老文化之下的当代创作。一些具有代表性的印度当代艺术家被推介至中国,他们与展场、与上海这座城市的对话也无形中为项目增添了筹码。

今年是澳大利亚文化年,以澳大利亚艺术为主题的文化活动层出不穷,而中国美术馆的“帕潘亚绘画:来自澳大利亚沙漠”则获得了格外的成功。独特的土著文化带来一种罕见的美,超越了画面本身。

另一种罕见的美来自西藏:约有50位艺术家受邀参加了宋庄美术馆的“烈日西藏——西藏当代艺术展”,汉藏两地的创作均在其中,试图还原一个被当代价值观“重塑”的西藏文化。

今年也有几个尤为令人难忘的个展。站台中国推出的一些令人印象深刻,其中王功新的影像新作展“关联”以言简意赅的方式探讨了新媒体表达为传统影像创作所带来的更多可能性,具有相当的视觉愉悦性,却也清晰地从一个展览整体上来呈现思路。

陈界仁在大陆的首次个展引人注目,构成长征空间日前“帝国边界”展主体的,是陈界仁两部同名影像作品及其衍伸的展示。在以“再书写”与“再想象”来重构集体记忆的方式在陈界仁这儿达到了一个高度,这位台湾当代艺术代表人物在艺术中超出政治本身的“政治性”,对我们也有着相当的启发。

个展中还有刘小东的最新展、其实也是一个文献展的“金城小子”,为此,尤伦斯当代艺术中心(UCCA)也特意安排了侯孝贤同名纪录片的联场放映,为展览增色不少。这是一位功成名就的艺术家直面记忆、直面根基的一次主动挑战,无论你是否喜爱他的绘画作品,这种勇气都值得关注,也具有被探讨的价值。

我们将最后一个名额留给了一个或许有些不起眼的展览——由艺术家马永峰及其艺术“机构”Forget Art发起的“地点:龙泉洗浴”。这种在城市中任意空间进行的艺术项目不是什么新鲜事,而Forget art所带来的这一次却具有独到的生动性。我们赞赏这种想象力丰富的对日常生活的“微干预”,艺术项目的策划可以有无限可能,不是么?
Jan 2
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