Sep 22
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——评介葛罗扥斯基名著《迈向贫穷剧场》

文李立亨

葛罗托斯基认为:演员/观众/空间和这三者之间的互动,就是剧场的全部。而贫穷剧场,就是在剧场内,用最少的事物来获得最大的效果。演员也因而在每次排练、演出都得一次次面对「生命中隐藏的真实面」。

  1968年的法国,巴黎大学的学生占领了校园,要求学校和学生能够有更多的自主权。同年,美国和日本的学生也没闲着,他们或走上街头反越战、或串联全国各校一起反对「美日安保条约」的签订。欧洲和美国大陆的剧场内外,社会性和禁忌性议题的内容被大量呈现,剧场形式则有了许多新的发展。
  那一年,台湾的校园和社会依照惯例在「稳定中求成长」,来年「金龙少棒队」获得世界少棒联盟冠军,才让大家忽然醒过来放起鞭炮。当时的台湾剧坛,还是以凸显「巩固领导中心」主题的「反共抗俄剧」为主流。一直到十二年后,「兰陵剧坊」推出的《荷珠新配》,才让美学评论家蒋勋在当时写下了「沉闷了卅年的剧运,终于让人又呼吸到了新鲜的空气」的赞辞。

波兰剧场大师的贫穷剧场

    然而,就在1968年之前的几年,世界剧坛已经开始盛传「世界最伟大的剧团」在波兰,这个有着「波兰剧场实验室」(Polish Lab o ra to ry Theatre)这样奇怪名称的剧团,为第二次世界大战结束之后的近卅年西方剧场,注入了新鲜空气。领导这个剧团的葛罗托斯基(Jerzy Grotowski),在1968年所出版的《迈向贫穷剧场》To wards a Poor The atre一书,更使得世界各地久闻其名的剧场爱好者,得以一窥大师思想的堂奥。
  1984年,大陆的中国戏剧出版社出版了这本书的中译本,葛罗托斯基的剧场观念和训练方法开始在台北的戏剧圈内流传开来。葛氏从「贫穷剧场」所延伸出来的剧场美学,让今天台湾大多数卅岁以上的剧场工作者印象深刻。同时,卅岁以下的剧场爱好者和研究者也得以获得启发。

最少事物/最大效果

  葛罗托斯基认为所谓的「剧场」只要有演员、有观众、有一个特殊空间,和他们彼此之间所产生特殊的交流就够了。换句话说:演员/观众/空间和这三者之间的互动,就是剧场的全部。贫穷剧场就是:「在剧场内,用最少的事物来获得最大的效果。」
  我倡议在剧场内保持质朴。我们每一次制作都在避免舞台和观众席有隔阂。每一个新空间都是为演员和观众而设计的。我们最在乎的是要去为每一类型的表演找出适当的「观众-演员关系」,以及如何丰富我们在肢体动作上的安排。

  葛罗托斯基不仅对剧场提出如此新颖的看法,他对剧场观众更是有独特的要求。葛氏认为观众应该是剧场演出这个事件的「目击者」:「他的职责并不仅仅是当个观察者,他所作的要比这些更多:他应该是个目击者…,愿意接受生命中隐藏的真实面被揭露之后的震撼。」

神圣剧场/神圣演员

  基于认为剧场是观众和表演者共同去面对「生命中隐藏真实面」的空间,葛罗托夫斯基对于每次演出的空间都有特殊设计。他会运用剧场所有的空间,创造出他所谓的「神圣剧场」──所谓的表演,那是表演者在通过长期排练、和严酷而有纪律的肢体磨练之后,所呈现出的一场近乎神圣的行为。戏剧学者一致同意,他的演员是「神圣的演员」。
  由于波兰剧场实验室的演员,每次排练、每次演出都得一次次面对「生命中隐藏的真实面」。更由于长期而亲密的工作在一起,演员彼此之间的信任、对导演的信任,让他们的演出呈现出私密而肃穆的质地,再加上葛罗托斯基对于表演空间/观众身分的转化,使得葛罗托夫斯基的剧场不管在形式上、内容上,都成了一次次的仪式呈现。

「这不是一本普通的书」

  国内「优剧场」创办人刘静敏从1988年创团至今,就非常强调演员身体的训练及表演能量的提升。这样的特质,正好与葛氏对于剧场演出的要求如出一辙。事实上,刘静敏本人正是葛氏的嫡传弟子,她曾在1984年一整年地追随着大师工作。葛罗托斯基虽然已经在三年前过世,但是,《迈向贫穷剧场》一书仍成为新一代的剧场工作者不可或缺的经典著作。我们从「优剧场」和其它受到「贫穷剧场」观念影响的剧场创作者(特别是「小剧场」工作者)身上,还是可以看到葛氏影响力所散发出来的光芒。
  大家或许没有完整的读完或读通这本《迈向贫穷剧场》,而大师对剧场的想法也早已有了不同阶段的修正和改变;但是,正如「纽约时报」在大师逝世后所说的一样:「这本书不是一本普通的书,每一代的剧场工作者都将读到不同的意义。」


附注:

1.《迈向贫穷剧场》一书中译本,由大陆「中国戏剧出版社」出版,大陆将书名译为《迈向质朴剧场》。
2.对于葛罗托斯基的「贫穷剧场」美学和相关研究有兴趣的读者,可以参考扬智出版社出版,锺明德所写的《神圣的艺术──葛罗托斯基的创作方法研究》一书。

参见葛罗托斯基在英文维基百科的条目:

http://en.wikipedia.org/wiki/Jerzy_Grotowski
Aug 20
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Aug 12
Guerrilla Theater
live media intervention

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Organized by Come & Go Art Center,

Beijing Modern Dance Company

China Oriental Foundation for Art

Curated by Ma Yongfeng

Artists: Katja Loher, Michael Yuen, Ma Yongfeng, Andreas Sell, Yam Lau

Date: 7pm-11pm,August 15-16

Venue: No.46,Fangjiahutong,Dongcheng District,Beijing

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Polish director Jerzy Grotowski reduce the medium such as forms and element in drama, and first introduce the word ‘Poor Theater’ into the culture terms of 1960s. Today, what has been left to do in the theater after theater?

Perhaps the purest theater only exists in ‘Found Situation’, which merges forms into forms, concepts into concepts, things into things, situation into situation, and eventually merges lives into lives.

‘Guerrilla’ emphasizes the process. During the process, time and memory interlaces to look for the next location and control everything to unfold in medium.  

From minimal electronic intervention to animation hypnotism, from space hallucinogen to game theater, to the expansion of an existed situation, 5 new media artists take five different ‘guerilla strategy’

By Ma Yongfeng

Aug 8,2009


Artist Bio

Andreas Sell

Andreas Sell was born in 1977 in Bayreuth/Germany. Currently he´s living in Berlin and Beijing. Before he started studying fine arts, he absolved a four years actor´s training at the Studiobühne Bayreuth and a three years apprenticeship as stonemason/stonesculptor. 2008 he graduated from the School of Art and Design Berlin Weißensee with the major sculpture. In 2006 he received an annual scholarship from the German Academic Exchange Service (DAAD) to continue his studies in the MFA program in New Forms at Pratt Institute NYC.

By developing subversive action plans he intervened in different exhibition contexts, amongst others in Berlin at the Hamburger Bahnhof, the Old Museum, Bodemuseum, Pergamonmuseum, the Old National Gallery and during the 5th Berlin Biennale at KW Institute for Contemporary Art. 2008 he received the Mart Stam Award for most promising young artists of the School of Art and Design Berlin Weißensee. 2009 he received a postgraduate scholarship from the German Academic Exchange Service to continue his artistic work in the People´s Republic China.

http://www.andreassell.com/

Katja Loher

Working in several different mediums and with a number of collaborators from around the world, New York-based, Swiss artist Katja Loher’s explorations of language and visual form come together in an assemblage of present technologies and dramatic sculptures. Translating, in poetic metaphor, the “ambivalent relationships between power, freedom and dependency,” she creates a powerful visual platform that pulls the viewer out of his current perspective and provides a broader perspective with which to address existential questions and present concerns in the world.

A multi-awarded artist, Katja’s video sculptures and installations have appeared at international galleries and institutions. In 2004,Katja Loher was the recipient of the TPC CreaTVty Award from the Swiss TV Production Center. In the last years she received several artist in residences, awards and grants including 6-month artist residencies in Berlin and New York.

http://www.katjaloher.com


Michael Yuen

Michael Yuen's work encompasses a plurality of media. He is known for a body of works making use of light, sound and performance. Over the past years Michael has divided his time equally between Australia and China, and in both environments his works have investigated the city and public space through events and interventions. His work is often temporary and situated outside engaging directly with the city and is frequently associated with interdisciplinary, public space and media practices.

Michael has worked with Zendai Museum of Modern Art (Shanghai), Australian Centre for the Moving Image (Melbourne) jointly with the Hayward Gallery (London), Adelaide International Festival of Arts, SSamzie Space (Seoul), Yuanfen New Media Art (Beijing), received Ruby Litchfield and AsiaLink awards. He has served on the InterArts board for the Australia Council of the Arts (2006/7). Michael divides his time between his native Adelaide and Beijing.

http://www.michaelyuen.com.au/


Yam Lau

Yam Lau was born in Hong Kong and is currently based in Toronto, Canada. He received his Master of Fine Arts in painting from the University of Alberta. His creative work explores new expressions and qualities of space, time and image. His most recent works combine video and computer-generated animation to re-create familiar spaces and activities in varied dimensionalities and perspectives. Also, Lau publishes regularly on art and design and is active in the local art community. Certain aspects of his art practice, such as using his car as an on-going mobile project space, are designed to solicit community participation.

Lau has exhibited widely across Canada, United States and Europe. He is a recipient of numerous awards from the arts councils in Canada. Currently Lau is a Professor of painting at York University, Toronto. In addition to his teaching and research, Lau also serves on the board and advisory committee on two public galleries. His work is represented by Leo Kamen Gallery in Toronto and Yuanfen New Media Art Space in Beijing.

http://www.yuanfenart.com/index.php?option=com_content&view=article&catid=53:artists&id=88&Itemid=102&lang=en

Ma Yongfeng  

Ma Yongfeng was born in Shanxi, China in 1971 and is a new media artist currently based in Beijing. He has exhibited widely across Europe, the United States and China – most recently in Chinese Video Now at P.S.1, New York, Becoming Landscape at Platform China, Beijing, and The Cretaceous Period at ArtSway, UK. He was selected for the Production Residency Scheme by ArtSway and Chinese Art Centre in UK from an exceptional shortlist of artists nominated by Chinese curators and professionals in 2007.

Ma came to international attention in 2002 with The Swirl, a video depicting six Koi carp being subjected to a 15 minute wash cycle in an upright washing machine. The piece was exhibited at MOCA at Los Angeles and PS1 in New York. Ma has continued to explore additional alternative realities between order and disorder in many of his video, animation, photography and installations.

http://www.mayongfeng.com/



游击剧场 
现场的媒体干预

主办:聚敞现代艺术中心 北京现代舞团 华亚艺术基金会

策划:马永峰

艺术家:Katja Loher, Michael Yuen, 马永峰, Andreas Sell, 刘任钧

时间:2008年8月15日-16日晚上7点-11点

地点:东城区方家胡同46号

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波兰导演葛罗托斯基把戏剧表演中作为媒介的各种形式和元素删减到最低限度,并将“贫穷剧场”一词首次引入20世纪60年代的文化语境之中。今天在剧场之后的剧场,我们还能做些什么?

或许最纯粹的剧场只存在于“现成的情境”(Found Situation)中,就是让形式淹没在形式中,让观念淹没在观念中,让事物淹没在事物之中,让情境淹没在情境之中,最后让生活淹没在生活中。

“游击”只是强调一种过程,在过程中时间和记忆相互交错,位置在寻找下一个位置,并让一切事物有限度的在媒介中展开。

从极限电子干预到动画催眠,从空间致幻剂到游戏剧场,直至既有情境的扩展,五个新媒体艺术家,五种不同的“游击”策略。

2009年8月8日



Andreas Sell

Andreas Sell 于1977年生于德国的Bayreuth, 于2008年毕业于柏林的Weißensee艺术和设计学院的雕塑专业。 在2006年他受到了德国学术交流服务机构(DAAD)的年度奖学金,以此他在纽约Pratt学院的新形式系继续他的硕士学习。

他在不同的展览上混入参观人群,进行有策略的表演,来对展览原来的含义进行了干扰。在2008年他被授予柏林Weißensee艺术设计学院Mart Stam奖项的最有前途的年青艺术家。在2009年,他得到了柏林学术交流服务机构的硕士奖学金并前往中国继续他的艺术工作。

Katja Loher

Katja Loher 作品使用不同的媒介,并且和相当多的纽约,瑞士艺术家合作过。 Katja Loher将她对语言和视觉形式的探索,以一种对当前的科技和戏剧化的雕塑装配表现出来。 用诗意隐喻角度来翻译这句著名的‘对于权利,自由和独立之间的内心自相矛盾的关系’,她创造了一个有力的视觉平台  把观众拉出了一般流行的解释,以针对存在的问题和当前的世界关注的角度,提供了一个更广阔的视角来诠释。

作为一个得到多次奖项的艺术家,Katja的录像,雕塑和装置一直在国际上的画廊和机构里出现。 2004年,Katja是瑞士电视制片中心的TPC CreatVty奖的获得者。在过去的几年里,她先后得到了多次的艺术家驻留的机会,奖项和基金,其中包括在北京和纽约的6个月的驻留交流项目。

Michael Yuen

Michael Yuen的作品围绕着媒体的多重性展开。 他以一系列以对光,声,和表演的使用而出名。在过去的几年里, Michael一直工作在澳大利亚和中国。在这两地,他的作品通过考察事件和干预来研究城市和公共空间。Michael的作品通常是暂时的, 并且在城市里的户外完成。 作品通常跨越多学科,公共空间和媒体实践。

Michael曾经合作于上海证大现代艺术馆,澳大利亚移动影像中心联合伦敦黑瓦德画廊,阿德莱德国际艺术节,韩国首尔Ssamzie空间, 北京缘分新媒体艺术,得到了路比里其菲尔德和亚洲连接的奖项。 他在2006到2007年其间在澳大利亚文化协会供职。 Michael在他的家乡阿德莱德和北京两地工作。

Yam Lau  刘任钧

刘任钧出生在香港,现居住在加拿大多伦多城市。 他得到了阿尔伯塔大学的美术硕士学位。 刘任钧的作品探索全新的时间、空间以及影像表达方式与特性。 把视频 和计算机生产的特效(CGI) 综合起来重新表现我们现实生活中的实际场景,但现实该实际场景的同时利用别致的,虚拟世界的眼光。除此之外,他也为艺术类杂志撰写文稿,并在艺术交流组织上非常活跃。刘任钧在艺术上面的一些实践,比如用他自己的私人轿车作为移动小型创作项目空间等,给社区和群众带来了一个交流和参与的机会。
刘任钧很广泛的在加拿大,美国,欧洲各个地方展览他的作品,被加拿大艺术界获许了众多奖项。现在Yam是多伦多约克大学的绘画教授。除教学之外,他还为两个画廊做委员会咨询,他的艺术作品仅授权给多伦多Leo Kamen画廊和北京缘分新媒体艺术空间。


Ma Yong Feng 马永峰

马永峰出生于1977年,中国山西,是基于北京的新媒体艺术家。 他的作品被广泛地在欧洲,美国和中展出。最近的展览有“中国现在录像”(P.S.1 纽约),“生成景观”(站台中国,北京)以及“白垩纪”(ArtSway,英国)。2007年他被短期提名在中国策展人和教授选出的艺术家中,之后被选参与ArtSway和英国华人艺术中心所合作的制作驻留项目。

从2002年作品“旋涡”起,马永峰开始得到国际关注。 录像“旋涡”描述了6条锦鲤在直立的单缸洗衣机内经历15分钟的环洗。这个作品曾经展于洛杉矶的当代艺术博物馆(MOCA)和纽约的P.S.1。 马永峰在作品中继续探索在秩序和混乱之间的多种不同的现实,这在他的录像,动画,摄影和装置作品中都有展现。
Aug 11
李京淑

北京科技报 2009-08-03 10:18


我们不必恐惧“无意义”,事物的最基本形式往往都是简单而苍白的。


“如果生命的90%都毫无意义,那么我们该如何安放落寞的灵魂?”马永峰思考的命题,乍听起来的确缥缈而玄虚。

眼下,他的3D动画装置作品——《透明是错误的》正在偏锋新艺术空间的“在”抽象艺术群展中公开亮相。紧盯着那些缓慢转动的不明物体,有人混沌了,有人厌倦了,亦有人顿悟了。“好极了!”在心理专家看来,每一种感受都是基于“无意义”的全新升华。

记者对话

记者:这部作品表达了怎样的主题?
马永峰:《透明是错误的》投影于巨大的黑暗空间,在1分30秒的光影效果中,你会看到许多带着光晕的扁圆形物体,或失重悬浮,或缓慢地从一个点游移到另一个点。单从视觉角度而言,这件作品几乎没有任何意义。但如果你能在凝视中渐入一种冥想状态,或许可以体会出事物在“有序”、“无序”间转换的自然法则。

记者:我们该如何理解那些“扁圆形物体”?
马永峰:它们是我从生活中提炼的符号,有点像围棋棋子,有点像西药药片,如果褪去这些“现实概念”,则更近似于构成世界的基本物质形式——原子。创意灵感源于一张照片,当时我偶然间用相机拍下台灯投射的圆形光影,当这种光影被大量复制并转化成三维形态时,你会惊异于日常事物不为肉眼察觉的巨大能量——本身再微小,也自成一个宇宙。

记者:这种能量因何很难被自然感知?
马永峰:人们往往坚信“眼见为实”,但很多时候,视觉是一种奢侈。自然界包括实物、气味、液体、情境、时刻等多种存在形式,其中仅凭肉眼定义的成分微不足道。比如一道强光打在脸上,那一瞬间的视觉其实是很抽象的,反而不如眼睛被刺痛的“触觉”来的真实。

记者:我们是否该重新审视熟悉的一切?
马永峰:剔除人类消耗在“吃、喝、拉、撒”上的时间,余下90%的生命其实都是无意义的,因为我们并没有为“必要生存手段”付出“不能省略”的努力。于是“如何填充这90%”成为每个人毕生研习的学问。

我们不必恐惧“无意义”,事物的最基本形式往往都是简单而苍白的。就像当初苹果掉在牛顿头上,这个偶然的瞬间如果没有衍生出日后的力学原理,那么本身也是无意义的。让一切变得不平凡的,是敏锐的心灵。
心理分析

用“无意义”的影像激发“有意义”的冥想,马永峰的“游戏”着实有些冒险。他用自己提炼的符号追问世界的本来面目,当物质简化到一定程度,视觉、听觉、触觉的无力感就会凸显出来,然而由此产生的“混沌感”、“厌倦感”或者其他感受则恰恰说明,你的心灵已然不再“退居二线”,你对于世界的解读开始充满惊喜。

http://bjyouth.ynet.com/attachment.db?54884883
Aug 11
2009-08-12 中华美术网(www.ieshu.com)

    内容概要:   2009年7月18日下午,“黑屏”当代艺术展在成都廊桥当代艺术机构拉开帷幕。此次展览汇集了图片、装置、影像等当代艺术前端的艺术形式和表现方法。其中不少作品完全用一种非现场的形式来展现行为艺术作品中所能看到的方方面面,都以平面的形式讲述其自身所要表达的内涵。记者带着关于此次展览的种种疑问,采访了本展览的学术主持迈涯女士。

  【编者按】2009年7月18日,“黑屏”当代艺术展在成都廊桥当代艺术机构拉开帷幕。此次展览汇集了图片、装置、影像等当代艺术前端的艺术形式和表现方法。99艺术网记者采访了本展览的学术主持迈涯女士。迈涯女士称此次的展览很有有价值,展览中一些新东西可以带领我们从新考虑这个世界,重新认识自己,体现了真正艺术价值所在。

采访记者:刘丹放

编辑整理:张 瑜

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  99艺术网:迈涯女士你好!非常高兴您能来到成都。这个展览全部都是关乎于行为艺术的图片以及视频、装置等的展示。作为一个艺术批评家您怎么看待这些作品?

  迈涯:这个展览许多作品都有行为的艺术成份在里面,但是媒介、呈现形式是多样性的,不局限在行为。比如说吴承典的摄影,是非常有意思。你可以说是一种行为成份,但不能说这是一个行为艺术作品,它主要还是摄影作品。他那个作品特别有意思,他找了很多中国非常象征性的、代表性的建筑物,像鸟巢,或者是奥运水立方,或者是宜家家具等等,代表各种各样的东西。比如说现代化,国家的辉煌,消费文化和小康社会的舒服,小资生活。这种东西在我们社会里有的时候有点像一个大方向,或者是一个偶像、一个目标,象征着那种大的价值观。但是他把这个东西,他不拍一个整体,他拍各种各样的角度,都是分分、碎碎地拼在一起了,所以他把大的、非常宏观的所谓理想和价值观拆开了,解构了,让我们从各个方面看,其实看的角度不一样。

  这个图片也是这样把鸟巢拆开成无数的部分,所以很多、很多小照片,所以我们不是从大的,特别宏观的角度去看它。而是从生活中真正的,微观的各方面的角度去看的。所以他在我们身上可以起到很大的作用,让我们思考到很多大的问题。

  99艺术网:通过这个展览,有那么多种的展现形式,您觉得在这些展现形式当中最喜欢哪一种?

  迈涯:这个问题很难回答,因为我不能说我偏向于一种形式,或者一种语言,或者一种媒介。其实我不在乎什么媒介,而且我觉得我们这个时代,是什么媒介真的不重要, 我在乎艺术之中传达什么问题什么感觉,有什么话要说,是如何触动,如何刺激我们的思考,这样的问题,我觉得更重要。展览当中有装置有摄影,或者别的东西,像里面有王庆松的一个录像,还有马永峰的录像,这都不是行为艺术作品。何云昌这个是一个正儿八经的行为艺术作品,是以行为摄影来呈现的。他在英国,你看那个地图,他在英国拿了一个石头,然后他走了整个一圈,他就背着这个石头跟他一起旅行,他跟它是很亲切的,跟大自然的一个关系,而且也是在考验自己的能力和体力、忍耐能力,忍受的能力,各种方面地考验自己,还有沉默的跟大自然的对话,他坚持做这个做了很久,你看他去了那么多地方,这是很感人的东西,最后他把石头它放回原地。

  99艺术网:最后又回到他捡石头的地方?

  迈涯:是的。你看看图片吧。我觉得何云昌是中国行为艺术非常重要的艺术家之一,当然也有很多好的,但他是重要的一个代表人物。他的东西里面有很多成份,很多是关于爱的,就是爱这个世界,把自己深入这个世界,去介入这个世界,而不是排在外面,或者把它当做商品。

  遗憾行为艺术,尤其是在中国的媒体可能有一些不好的口碑。因为有几个别的人做了一些血腥的东西,暴力的东西,所有媒体特别喜欢强调这种刺激的例子。其实大部分的中国行为艺术非常内敛,又有批判性,但是也有爱,也有去思考我们在这个世界如何做人,我们跟这个世界是什么关系,不是砍我自己的肉,看看能流多少血,其实这种简单的暴力表达即便在行为艺术历史也不能代表新东西的,独立判断是不会附和被媒体盲目炒作的东西。像何云昌行为里面的东西,你看到里面这个是爱或者是血?像中国在成都,从95年到现在有了很重要的一个行为艺术的传统,我称作“公共行为艺术”。你知道这个事,像戴光郁、刘成英、周斌、朱罡、余极等等很多别的人,都做了跟环境和公共领域有关系,涉及包括环保意识和行为、保护国家文物(比如明代的城墙) 做了很多其实为社会作出很大贡献的工作,例如一个老图书馆的保护和变迁—行为艺术也可以做到这种事情。

  99艺术网:我想问一下,您作为一位国际友人,您觉得中国的行为艺术和国外的行为艺术,它们的差别和优势分别体现在哪些地方?

  迈涯:我是特别拒绝国家界限的东西,限制或者捆绑我们。当然有的东西会吸收很多本土文化的元素,不一定能了解那个东西。我觉得说实话,所有真正的国际历史上一流的艺术是面对人类社会的,它本质上不是分美国的、中国的或者是什么国的问题。它可能通过说明一个地方或细微的问题,让全人类了解自己大的问题,从一个微观的东西呈现宏观的问题,在这一个点上,这个是好的艺术,不管是什么国家,我不是特别觉得中国艺术是这样,别的艺术是怎么样的。因为我觉得艺术是一个永远在超越自己的,它是一个长期的流程,不是一个一次性做出来的结果,它是过程。而且这个过程是无数不同的人都在做,从不同的角度,不同的背景,不同的价值观,它是一个多元化的东西。但是往往很多批评家,特别喜欢把艺术套在某个观念里面,为了“找个说法”或“定位”,或是要确立某某艺术流派,批评家为了“占山头、圈地”而不惜违背艺术的自由本质然后艺术家有可能开始学这个“被认同的流派”,因为这样他可以参与展览或者怎么样。其实最好的艺术不是根据别人的剧本去走,而且去看这个世界需要什么样的艺术,需要说什么话,这种艺术肯定是最好的。

  马永峰,他做的是另外的一种媒介,他做了很多录像和摄影作品,他的东西也有装置性,因为他会造一个模型,然后对这个模型做一些事情,比如说有一个小山头,最后被水淹没了。他的研究是关于科学的裂变,那个观念化,就是把大自然和我们的世界分为什么样不同的观念去归顺这个世界,成为我们可理解的,被知识形成的一种实物。他研究的很多是这方面的东西。

  慕辰和邵译农,他们的东西看到有一部分社会学和人类学在他们的摄影里面,你也会说这个有行为,他去寻找各种各样的东西,比如说这个塔的作品,这种快丢掉了,以前是很重要的一个集中的地方,在人的生命中是很重要的。现在这种空间的地位已经变了,可能消失了或者变成仓库了,或者烧了,或者坏了。以前是开会的地方,各种各样国家意识形态的东西,凝聚在那种地方,现在意义就完全不一样了。因为我们的时代、信仰完全不一样了,人在集体之间的关系也不一样了,不像以前特别的集体,现在人越来越分散了,可能人与人之间的关系越来越弱。所以在这一张照片里有无数的历史,已经看不到的历史,但是你能想得到。这个楼可能塌了,最后变成一个高楼了,房地产过来买这个地,谁知道,反正塔里面有过去、有现在,有未来。其实很感人、很残酷,看那个时间的流失,痕迹在某个楼上怎么呈现,很有意思。

  99艺术网:作为一个艺术展览,无论如何都会产生一些社会价值和历史的意义,您觉得今天这个“黑屏展”它的价值和意义体现在什么地方?

  迈涯:首先我们看一个展览意义要放在一跨时间跨领域角度上来,我觉得这个展览可以呈现它的价值,从几个方面:

  一、 它呈现的是一种综合艺术。对这个世界有不同的观念,有不同的看法、态度和姿态。这不是一个简单的,比如说每一个都是个大头油画,就是一个脸,一个形象或者一个指标性的东西,这个其实很碎,很不一样的东西,就像我们的时代一样,不是一个单一风格媒介可以把艺术的思考联袂在一起。就像我们的时代,它是多元化的,各方面的东西都有,很多层面在这里都可以看到。我觉得“艺术不仅是思想的视象也应该是感知的”,在这个方面这很重要。

  差不多从05年,中国当代艺术走向国际,特别全球化的市场化以后,开始制造中国的艺术泡沫。越来越多的画廊,尤其是被一个很恶劣的话语权给控制住了,这个就是金钱,不管艺术的价值,不管历史的价值,不管社会的价值,不管艺术作品好不好,或者有没有意义,只是管能不能快点卖给一个有钱人,然后这个东西如果在十年以后,不怎么搭配暴发户的沙发,他可以转手或者可以卖了,就不管了。这个就变成跟买卖其它的东西没有一点区别。艺术特有的价值,是被 这种现象弱化得一塌糊涂。如果艺术特殊的价值,不是作为一个装饰品,不是作为一个美的东西。

  如果艺术特殊的价值是取决于它能提供我们新的一双眼睛去看待我们的世界,看待我们的自己,我们是一个镜子,你看我们现在多俗,就管吃个胖的肚子,买点名牌衣服,贷款开个好的车,用公款盖一个没有任何内部设施的豆腐渣高楼,给人看我多牛啊,不能光是一个镜子,必须得是让我们反省,我们到底是谁,我们在往哪里走,为什么我们往那边走?如果我们往那边走,到底会发生什么样的事情?如果我们集体,社会按照这个价值观往前走,我们是不是走进一个陷阱,是不是丢掉一些有价值的,被我们忽视的一些东西?我觉得好的艺术,真正的艺术具备这个本质,这个能力去刺激我们,真正地思考人类的状况,不一定是特别社会学的,有的时候抽象的东西也可以改变我们的眼神,可以感动我 们,改变我们的思考方式。如果艺术光是一个东西挂在那儿,就跟装饰品没有任何区别了。

  99艺术网:您觉得今天这个展览的价值实际上也就体现在社会的,包括对我们人自身反省的方面?

  迈涯:对。 我觉得每一件作品就是一个机会,因为一件作品不具备一个固定的意义,它的意义是跟人看到它、思考它、感受它,在这个瞬间产生的。而且这个意义的解读可能是无数的。可能你把你自己的生活背景,自己的经验,你带来到的这个作品里就跟我不一样了。那么艺术家把他的东西摆在那儿给我们,当这个被我们看到了,感受到了,思考到了以后,它才成为一个新的东西。这个新的东西是一个领先的东西,它可以刺激我们自己的想象力。所以,我觉得这个展览的价值,肯定是提供给我们多样的语境,去考虑我们自己,去考虑我们的世界。但是它也不是那种特直接给我们上课似的,也不是说必须得这样,要不然不行。它是很微妙地提供给我们这个条件,思考这些问题。所以我觉得它的价值就是在这一点上最明显。我喜欢可以做到这一点。

  99艺术网:谢谢迈涯女士。
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